Slik leser du malerier: Bellinis altertavle fra San Zaccaria

Avkoding av et venetiansk mesterverk

Detalj fra 'San Zaccaria Altarpiece' (1505) av Giovanni Bellini (ca. 1430–1516). Kilde Wikiart

Det er få steder som Venezia.

Med sine laguner og vannveier som skimrer under et strålende Adriaterhavslys, med bygninger og noen ganger stinkende vann (som alltid får meg til å tenke på pestilensen i Thomas Manns død i Venezia), er byen et landskap transformert som ingen andre.

Det er få steder som Venezia, og ikke minst på grunn av kunsten. Det er sjelden du finner i disse dager, men i Venezia kan du fremdeles se malerier som henger i stillingen de ble laget for. Historien til Venezia lever som så få andre byer gjør.

Detalj av 'San Zaccaria altertavlen'. Kilde Wikiart

Et slikt maleri er Giovanni Bellinis San Zaccaria alterverk, malt i 1505 da kunstneren var i begynnelsen av syttitallet - Bellinis eksakte fødselsår er fortsatt et spørsmål om debatt. Den viktorianske kunstkritikeren John Ruskin dømte maleriet som et av ”de to beste bildene i verden.” (Den andre var Madonna of Frari Triptych, også av Bellini.)

Det som umiddelbart griper tak i San Zaccaria altertavlen, er den elegante romfølelsen Bellini har skapt. Illusjonen er av en arkitektonisk apsis, et lite kapellrom med søyler på hver side og avdekket av en kuppel dekket av mosaikker. Jomfru Maria blir satt på tronen i sentrum, omgitt av helgener. Se hvordan tronens hvite marmor, sammen med Marias hvite sjal, og fremfor alt lysstyrken til Kristusbarnet, får midten av maleriet til å blomstre.

Se bare på hvordan Bellini har vinklet lyset slik at det flyter over scenen fra venstre mot høyre, og dermed tillater en myk skygge å falle bak Kristus til høyre for ham, sette ham frem og understreke omrisset. Det er lett å overse disse detaljene, men de gjør hele forskjellen.

Detalj av 'San Zaccaria altertavle', som viser fra venstre til høyre, St. Peter, St. Catherine, Jomfru Maria som holder Kristusbarnet, St. Lucy og St. Jerome. Kilde Wikiart

Bak tronen er den arkitektoniske fordypningen modellert i tredimensjoner og lyser myk gul-oker, slik at resten av scenen kan okkupere et plan som er fremover, og nesten krysser over i vårt virkelige rom. Det er en triumf av maleriet at ingen av disse effektene ser tvingende ut. Blandingen av farger - de røde, gullene, blå og grønne klærne og de subtile hvite i arkitekturen - gir hele verket en fin spunnet rikdom. Det er i subtiliteten av denne rikdommen Bellinis originalitet ligger.

Hva ser vi på?

En av maleriene med maleriet er å oppdage de små detaljene som gir livets mening.

Strutsegg og krystalllampedetalj. Kilde Wikiart

En slik detalj, helt øverst i maleriet, er så lett å savne: et strutsegg som henger fra et akkord.

Det er nå kjent at strutser legger eggene sine i felles reir, som består av lite mer enn en grop skrapt i bakken. Eggene blir inkubert av hunnene på dagen og av hannene om natten.

I middelalderen var det imidlertid ofte antatt at strutsen - en mye beundret fugl - begravet eggene sine i sand og lar solvarmen utføre inkubasjonen. På grunn av de unge som dukket opp uten foreldrenes engasjement, ble det antatt at strutsegget var et ideelt symbol på jomfruen til Mary - et teologisk vanskelig konsept som det ble søkt om paralleller i naturen.

Strutsegget, som symboliserer Marias jomfruelighet, fungerer i symbolsk sammenheng med krystalllykten som henger under den. Lampen representerer renhet, siden krystallglass er håndgripelig, men også gjennomsiktig.

Så helt fra toppen av maleriet fører en vertikal linje nedover, fra en kombinert parring av jomfruelighet og renhet, til Mary og barnet hennes nedenfor.

Skåret av Salomons hode på tronen til Jomfru og barn. Kilde Wikiart

En ytterligere detalj, en som kanskje gir mening om alle disse tegnene, er utskjæringen på toppen av tronen. Det viser hodet til Salomo, sønn av David og Batseba og Israels tredje konge. Salomo ble æret for sin visdom, og hans visdom blir ikke bedre vist enn i den fantastiske historien om hans dom, som det ble fortalt i 1. Kongebok 3: 16–28: To kvinner ble brakt før Salomo er midt i et argument. Begge har født et barn, men en av babyene har dødd; nå hevder begge kvinnene at det gjenværende barnet er deres. For å oppdage sannheten, beordrer Salomo at et sverd skal bringes og sier: "Del det levende barnet i to og gi halvparten til det ene og halvparten til det andre." På dette avgir en av kvinnene umiddelbart sin påstand til barnet, og avslører seg dermed for å være den sanne moren, som ikke orket å se skade komme til barnet sitt.

Så det utskårne hodet på Marias trone snakker om Jomfru og barn som har et visdomssete. Dermed kan vi lese enhet av jomfruelighet, renhet og visdom som ideelle egenskaper for den hellige mor og barn.

Maria og Kristus er omgitt av fires hellige, plassert symmetrisk rundt tronen. Den overordnede malestilen er kjent som en sacra conversazione, en tradisjon i kristen maleri der flere helgener er samlet rundt jomfruen. Hellige kan være fra forskjellige aldre, uavhengig av perioden de bodde i, tilsynelatende i 'hellig samtale', men oftere i reflekterende ærbødighet. Et slikt konsept tillater et mangfold av symbolske kombinasjoner.

I Bellinis maleri er de viste helgenes Peter, med hans attributter til bibelen og nøkler ("Jeg vil gi deg nøklene til himmelriket"); Catherine av Alexandria, holdt et palmeblad for å symbolisere hennes martyrdød og sto ved siden av hennes knuste hjul (instrumentet for hennes tortur); Lucy med sin egen håndflate og en glasslampe (avledet fra navnet hennes, som betyr belyse); og Jerome, lærde og oversetter Bibelen til latin. Ved foten av Jomfruen spiller en engel et instrument som ligner på en fiolin.

'San Zaccaria altertavle' (1505) av Giovanni Bellini (ca. 1430–1516). Kilde Wikiart

De er plassert symmetrisk om tronen. Det er verdt å merke seg hvordan komposisjonen fører blikket til midten av maleriet, med de to ytre figurene som står vendt rett utover og de to indre figurene snudde tre kvarter innover, og konfigurerer plassen slik at en slags passasje mot midten er opprettet.

Se for eksempel på hendene og armene til de venstre figurene, Peter og Catherine. Posisjonen til Peters venstre arm danner en kontinuerlig linje med Katarinas høyre. Linjene i draperiet og vinklene på skuldrene, også - med subtile grader - gir et snev av indre dynamikk til helheten.

Så helgenene jobber mot en meningsfull komposisjon; de har også symbolsk dybde i seg selv.

En måte å lese de hellige på er å betrakte dem som to sett med komplementære par: de to ytre figurene, de to hannene, som representerer grunnleggelsen av kirken (Peter) og dens vitenskapelige utvikling (Jerome); og de to kvinnene på innsiden som representerer dyderene ved læring og visdom (Catherine) og fromhet (Lucy).

Alt dette kan virke uklar og pedantisk for oss, men for en tilbeder på 1500-tallet ville symbolene vært langt mer 'leselige' og egnet til ettertanke. Bellinis virkelige prestasjon - hvorfor det er lett å kalle dette et mesterverk - er den elegante blandingen av de symboliske motivene til en harmonisk og noe naturalistisk helhet.

Hjertet i maleriet blir jomfruen sittet på sin marmortrone, med venstre kne hevet for å støtte Kristusbarnet, og presentere ham for tilskueren for tilbedelse.

Jomfruens ansikt representerer kanskje det mest bedårende aspektet av verket, og et dilemma over tolkning, det kunsthistorikeren TJ Clark kaller "uttrykksproblemet":

Selv å postere saken som et 'problem' virker pinlig. Hvordan ville det føltes å være Guds mor? Og hvordan ville den følelsen, eller spillet av motstridende følelser, ha registrert seg i et kompartement, et 'ansikt' som er presentert for verden? »
Detalj av 'San Zaccaria altertavlen'. Kilde Wikiart

For å svare på "uttrykksproblemet" ser visse ord ut til å komme nær - kontemplative, modige, reflekterende - men kommer til kort fordi de er for åpenbart klisjéer.

Hvorfor ikke også se bekymring eller forvirring i ansiktet? Tross alt har jomfruens teologi alltid inneholdt et element av tvil, til og med frykt. Kanskje, mens hun lytter til musikken på fiolinen, spilt med all den trygghet som en engel besitter, begynner tankene å løpe, og med en dose vanlig lengsel lurer hun på hvilken underlighet som har falt henne. Hun begynner å slå foten av babyen Kristus når han hever benet - et instinktivt øyeblikk av kontakt mellom en mor og babyen hennes som skjer subliminalt. Om et øyeblikk vil han senke foten, og hånden hennes vil beger den, og øynene deres vender tilbake til hverandre. Kanskje. Men dette er øyeblikket før, når sveipingen av fiolinmusikken har fått oss alle til å stoppe, helgener, mor og barn og ta en pause på vår komplekse plass i historien om frelse. Bellinis maleri gjør alt dette.

Christopher P Jones skriver på bloggen sin. Du kan også være interessert i disse historiene om kunst: